Archivos para marzo, 2010

Seabear o la utilidad de la búsqueda por discográfica

Publicado: marzo 29, 2010 de miss_antartida en Música, Publicaciones
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Cuando nuestras adorada publicidad en Spotify nos contaba que era posible la búsqueda por discográfica, más de uno nos hemos preguntado si alguna vez nos serviría ese consejo para algo. Pues bien, aquí os dejamos una sugerencia para su utilización: escuchar a los artistas del sello Morr Music, ya que tras años de seguimiento podemos asegurar que prácticamente todo lo que sale de sus manos merece la pena, reuniendo desde los conocidos múm, Lali Puna o The Go Find hasta otros más desconocidos como los que hoy nos ocupan, Seabear.

Seabear es un grupo islandés que comenzó como un projecto en solitario del multi-instrumentista Sindri Már Sigfússon hasta convertirse actualmente en un septeto (como los gatos de arriba) al unirsele Örn Ingi, Guggý, Inga, Kjartan, Dóri y Sóley. Todos juntos producen algo así como folk experimental con algo de electrónica; lo que viene a ser el estilo Morr Music.

Seabear acaba de publicar nuevo disco, We Built A Fire, el pasado 5 de marzo, a la venta como siempre vía Morr Music. Es su segundo álbum tras la publicación de The Ghost That Carried Us Away en 2007, que incluye uno de los temas que les ha dado más popularidad hasta la fecha, I Sing I Swim, que llegó a aparecer en series como Gossip Girl (sí, esa serie de adolescentes neoyorkinos pijos con música indie).

Con este nuevo álbum Seabear vuelve a traer un conjunto de canciones que unen el folk y el pop más luminosos sin grandes pretensiones, pero consiguiendo llegar muy lejos. Desde la primera escucha el disco te parece un conjunto perfecto, una encantadora composición dividida en once partes, ideal tanto para escuchar antes de dormir como para levantarse destilando felicidad. Y las piezas más grandes se encuentran nada más empezar, como tiene que ser, para engancharte; Lion Face Boy, Fire Dies Down y I’ll Build You A Fire son enormes. Para esta última, la que da nombre al disco, han publicado su correspondiente vídeo, que queda a la altura del encanto del propio tema:

Qué tendrá Islandia, para destilar tanta sensibilidad…

Por desgracia, Seabear de momento no tienen ninguna fecha prevista para tocar en España. Pero podemos seguir escuchándolos en Spotify (sólo el disco anterior), en su MySpace, y seguirlos en Facebook o Twitter.

El misterioso caso de iamamiwhoami

Publicado: marzo 19, 2010 de miss_antartida en Curiosidades, Internet, Música
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El mundo de la música independiente está revolucionado. Con el corazón en un puño. Y en este caso no se trata de un festival que se avecina, ni del lanzamiento de un disco esperado, ni del descubrimiento de un grupazo increíble, sino de un misterio que nos tiene a todos cada vez más intrigados.

Se trata de iamamiwhoami, una cuenta de Youtube que apareció a finales de 2009 y comenzó a subir vídeos de estética y sonidos más bien oscuros, de muy buena factura, con sintentizadores y voz femenina distorsionada, muy en la línea de Fever Ray. Fueron enviados a las principales webs de música independiente del planeta, sin que nadie hasta la fecha haya sido capaz de decir quién está detrás de todo esto. Podría tratarse de un nuevo grupo que quiera darse a conocer, o de algún artista conocido dispuesto a lanzar nuevo álbum (en esta hipótesis hay quien dice que puede ser desde Goldfrapp hasta… ¡Christina Aguilera!)

Además de por la estética, estos vídeos también tienen en común otras dos curiosas características: tienen como nombre una secuencia de números, en cada uno de ellos aparece un animal, y un enlace a un vídeo de YouTube en que aparece ese animal. Casi nada que envidiarle a Lost.

En el primer vídeo, el animal relacionado es una cabra, y aparece un bosque y un árbol, del que comienzan a surgir brazos y piernas…

En el segundo vídeo ya vemos aparecer a la misteriosa chica, con el rostro negro e “interactuando” con un árbol (tiene una segunda lectura mucho más morbosa, pero lo dejo abierto a interpretaciones). El animal aquí es un búho:

El comienzo del tercer vídeo es algo más luminoso y vemos de nuevo a la rubia, bañándose junto a una tarta de fresa (¿?), para luego volver a su lado oscuro… El animal aquí es una ballena:

En el cuarto vídeo, la rubia vuelve al bosque con su rostro negro y pestañas ultralargas, y el animal es una abeja:

Algo tiene la chica con el bosque, porque en este vídeo sigue, con sus sintentizadores y vocecitas como fondo, mostrando lo unida que se encuentra a sus árboles. Y vuelven a aparecer las fresas. Ya tenemos unos cuantos elementos recurrentes… El animal en esta ocasión es una llama.

Los vídeos cada vez se van haciendo relativamente más claros, la voz más nítida, siguen girando en torno a imágenes de bosques, cabañas en la nieve, fresas, el animal (en este caso un mono) y la chica entre todos ellos:

Y esta misma semana nos llegaba el último video hasta la fecha, que rompe bastante con todo lo anterior: escenarios, caracterización de la chica, incluso el vídeo es más largo y el tema se escucha casi al completo, con la misteriosa cantante disfrazada al estilo Laura Palmer de Twin Peaks (envuelta en una bolsa de plástico). Lo que nos descoloca ahora es tener como título la letra b en lugar de otra secuencia de números, y que el animal sea un gato negro ¡real!.

Pues como dije al comienzo, son ya muchos los que piensan que se trata de Christina Aguilera; por su próxima publicación de un disco en que pretende acercarse al underground (colabora con M.I.A., Ladytron o Santigold); por la tendencia a la organicidad y al medio natural de su nuevo fotógrafo, Alix Malka; y lo más impresionante de todo, por la interpretación de las progresiones numéricas que dan título a los vídeos que ha hecho un aficionado a la criptografía: sumando las cifras no separadas por puntos y sustituyendo los números por su correspondiente letra del orden alfabético, se obtiene esto:

Prelude 699130082.451322 = (38.17) = CH. AG.
9.1.13.669321018 = I. A. M. CH.
9.20.19.13.5.723378 = I.T.S.M.E.C.
13.1.14.4.18.1.7.15.18.1.1110 = M.A.N.D.R.A.G.O.R.A. C

Podría ser una retorcida casualidad, podría nunca descubrirse de qué se trata… Lo único que tengo claro es que que se trata de una de las campañas virales más eficaces y de mayor belleza que se han hecho en este terreno, y si al final se trata de Christina Aguilera, parece que será uno de los cambios de estilo más grandes que hayamos visto nunca…

Dentro del espacio DOCMA -Documentales en el Centro Cultural Provincial de Málaga- , se proyectó el 17 de marzo el mediometraje documental “De donde no se vuelve” del fotógrafo Alberto García-Alix, Premio Nacional de Fotografía en 1999. La cinta, con guión, dirección y narración del propio García-Alix, forma parte de la exposición del mismo nombre que le dedicó el Museo Reina Sofía en 2008. Mezcla imágenes en movimiento con fotografías de diversos formatos y épocas  realizadas entre 1976 y 2008.

“De donde no se vuelve” es un viaje de terribles consecuencias. Desde diaporamas de cucharas y jeringuillas que se van sucediendo mientras se van revelando los nombres de las sustancias que dan origen a la tragedia, hasta las oscuras moles de cemento de los rascacielos de Pekín convertidos en fantasmas del pasado. Amigos, familiares, antihéroes, víctimas, pérdidas, consecuencias, muerte… Todo esto y más se une con reflexiones acerca del propio medio tomando a la fotografía como un cristalizador de lo que fuimos. Esta idea de la imagen como un acto que nos congela, que nos fija en aquel momento es originaria del crítico francés André Bazin del cual su libro “¿Qué es el cine?” es la gran referencia a partir del cual se desarrolló todo el cine con vocación realista surgido tras la 2º guerra mundial. Si se observa la obra de García-Alix, esta referencia es muy importante debido al marcado carácter documental de su obra. El otro punto, referido al soporte, sobre el cual se diserta a través de la película es la idea del semiólogo francés Roland Barthes el cual describió la gran certeza que nos aporta la fotografía: la idea de que la fotografía otorga a la imagen la entidad de realidad, es decir, todo lo que está en la fotografía es verídico, es real, y lo es porque ha sucedido en un momento y en un lugar.

El autor vivió desde dentro el lado más salvaje de la ingenuidad del sentirse libre y ahora nos lo cuenta como un recorrido inverso hacia la escena del crimen. Con la reflexión que te da el poso del tiempo transcurrido, con la lucidez del que no se dejó vencer. Aparte de drogas y sexo, también se cuela la música en el video ya que vemos a personajes como Alaska o Camarón, por ejemplo, entre las fotografías. Alberto García-Alix fue un importante cronista de la Transición pero en un estrato muchísimo más amplio que el puramente musical. En sus imágenes hay motos, tatuajes, cuero, piercings, pero no hay guitarras ni sudor de conciertos y sin embargo se aprecia la podredumbre del punk.

Con “De donde no se vuelve” se cierra un mes de marzo en Málaga que ha contado con tres citas importantes de las relaciones entre música y artes plásticas. El día 10, también dentro del ciclo DOCMA, se pudo ver en el Museo del Grabado de Marbella la película “La mirada de Ouka Leele” de Rafael Gordon. Y el día 13 se pudo disfrutar durante la cita de La Música Contada en la Sala Gades de otro de los más relevantes cronistas gráficos de la Movida madrileña, Miguel Trillo.

Entre los tristemente ilustres fotografiados he creído ver que se encontraba el director de cine Iván Zulueta que nos dejó a principios de este año debido a su sempiterna adicción a la heroína. El que siempre será recordado como el director de “Arrebato” también realizó carteles de películas y portadas de discos.

Es curioso como al ver el documental de Alberto García-Alix se nos vienen a la cabeza otras obras y autores que han hablado de la heroína y ver como existen lugares comunes entre ellos. Supongo que los que han estado en el infierno saben lo que se cuece. Y si no, vean el film y luego lean algo de Leopoldo María Panero, otro que por cierto aparece en la película.

“Antiguos sapos he buscado en el
océano infinito la aguja muerde y hace
daño tengo cactus en los brazos.”

* * *

“Como un viejo chupando un limón seco
así es el acto poético. El caballo
con su espada divide la vida en dos: a un lado el
placer sin nada y al otro, como mujer vencida la
vida que despide mal olor”

“Heroína y otros poemas”, Leopoldo María Panero. 1992

La Blogotheque, célebre por sus Take Away Shows, y la asociación Invisible Children están llevando a cabo un bonito proyecto con el cual se pretende dar a conocer a la opinión pública y recaudar fondos para ayudar a los niños de la guerra actual que más tiempo dura: La guerra civil de Uganda, en activo desde hace 24 años. Una guerra que comenzó antes de que nacieran los que hoy participan en ella.

El proyecto denominado A take away film lleva en un viaje por Gulu, una de las ciudades ugandesas más afectadas, a Yeasayer, Polyphonic Spree y ahora también a Lykke Li para que conozcan de primera mano los efectos devastadores del conflicto armado. Durante la estancia cada banda hará un pequeño show, al más puro estilo de La Blogotheque, interactuando con los habitantes del lugar y utilizando los elementos que allí puedan encontrar para tocar en tan inhóspito lugar.

El resultado final será un documental, que incluirá los tres Take Away Shows, entrevistas con los grupos, etc. Y que será vendido por Invisible Children. El proyecto se lleva a cabo gracias a las donaciones de los usuarios en la web habilitada para tal fin y gracias a las cuales consiguieron alcanzar antes de lo esperado los 20000 dolares necesario. Os dejamos un vídeo de la última incorporación de esta bonita iniciativa, la sueca Lykke Li.

Vía: Stereogum

Yo la Tengo – La Riviera

Publicado: marzo 15, 2010 de Fran Ortega en Música
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Al leer las crónicas del concierto de La Roux me es imposible evitar las comparaciones con el que Yo la Tengo ofreció un día después en la misma sala y por precio parecido. Mientras que la una ofreció un concierto de ¡40 minutos! falto de emoción, los otros brindaron una actuación de 2 horas y media de música en estado puro, mucho más allá del bagaje musical, el buen hacer, la experiencia delante del público y el repertorio. Y es que puede que la única diferencia entre La Roux y Yo la Tengo sea que los segundos disfrutan sobre el escenario y por lo tanto hacen disfrutar a quienes los ven, y la joven de Londres, al menos en esta ocasión, se centró en pasar el trámite del concierto cuanto antes.

Con cada canción, el trío de New Jersey ofrecía algo nuevo al espectador, mostrando una perfecta comprensión de lo que un concierto tiene que ser, sin dejar que los asistentes piensen siquiera durante un momento en algo ajeno a su música. Muy seguros sobre el escenario, disfrutan con calma y sosiego de cada canción, presentando su último disco, Popular Songs, del que sólo se le pudo achacar al concierto la ausencia de By Two’s, aunque tras escuchar Periodically Double or Triple ó Nothing to Hide olvidamos cualquier capricho personal.

Todo ello contrasta con la actitud tímida, cercana al shoegaze en ciertos momentos, de todos los miembros, una introspección que les llevaba a interactuar muy poco con el público, y para una vez que se animaron y pidieron al respetable que eligiera la canción a interpretar, acabaron tocando la que les salió de los… Si alguno de los miembros del grupo estuvo un poco más suelto en algunos momentos fue Ira Kaplan, quien hizo todo un derroche de su particular forma de tocar la guitarra e incluso se bajó del escenario y tocó junto al público allí asistente, más concretamente junto a uno de los redactores de La Sonotheque.

Finalmente, dos bises para completar un largo pero muy ameno espectáculo del que los miembros de Yo La Tengo salieron poco menos que vitoreados, tanto entre canciones, incluso dentro de las mismas, como era el caso de los parones de Periodically… y especialmente al final, llevándose una cálida ovación del público madrileño, que esperemos les anime a que se vuelvan a pasar pronto otra vez por aquí.

Foto propiedad de Juan The Fly Factory

(Nuestras) 40 canciones del sonido Brooklyn

Publicado: marzo 15, 2010 de miss_antartida en Curiosidades, Música
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Con esta portada de arriba publicó hace unos meses el New York Magazine una lista con lo que para ellos eran los 40 mejores grupos del sonido Brooklyn, con sus respectivas 40 mejores canciones. Una lista como tantas otras, pero a una que por entonces andaba recién llegada de aquellas tierras le dio por escucharla y seguir de cerca lo que se decía de ella, que fue bastante.

Como siempre, se discutió sobre la existencia del tan manido últimamente sonido Brooklyn, cuando la verdad es que observando los grupos que aparecían en la lista poco se podía encontrar en común entre ellos musicalmente hablando, aparte de tratarse en su gran mayoría de grupos de éxito y que tenían su cuartel general en Brooklyn, o que habían surgido o simplemente habían desarrollado alguna parte de su carrera musical allí. Lo que queda claro es que no nos encontramos ante un nuevo movimiento similar al sonido Seattle, y que no podemos encontrar un denominador común que defina a todos los grupos que están surgiendo o trabajando allí.

Simplemente parece que lo que ocurre es lo normal si llenas un barrio de locales de música en directo, de ajetreada vida nocturna, en plena ebullición artística desde sus modernos lofts industriales, y para colmo lo colocas en la ciudad que dicen que es el centro del mundo: Nueva York. Y ahí tenemos el caldo de cultivo perfecto para que surjan grupos por doquier, que saben que van a ser observados y seguidos por todo el que sabe que en Brooklyn está lo más cool del momento, y que tienen abundantes locales y público para el que actuar.

Bastaba echarle un vistazo a esta lista para convencerse de que hay algo importante moviéndose allí, pero a pesar de todo fueron muchas las voces que se levantaron en protesta por la ausencia de algunos nombres importantes de la escena brooklynita, y tenemos que estar de acuerdo con ellos: ¿cómo podían haberse quedado fuera Yeah Yeah Yeahs, The Fiery Furnaces, Sufjan Stevens, Panda Bear, Ratatat, o uno de sus mayores abanderados, Jay-Z? Y aún más polémico fue el ranking entre ellos, que colocaba en primer lugar a Dirty Projectors y MGMT, bastante criticados por tener aún que demostrar ser flor de un día y estar por encima de otros artistas consagrados como TV On The Radio o LCD Soundsystem.

En definitiva, que nunca llueve a gusto de todos, pero poco a poco una se ha entretenido en reformar esta lista, añadiendo lo que creía que merecía incluirse y habían olvidado en NYMag, quitando lo que no creía que mereciera la pena o simplemente no estaba en Spotify, y obteniendo finalmente una nueva lista de 40 grupos de Brooklyn con sus correspondientes 40 canciones, pero eso sí, sin establecer ningún orden entre ellos, simplemente son los que están; aunque claro, está abierto a discusiones. Aquí os dejo el enlace en Spotify, y a continuación la listilla. No me digáis que no impresiona ver que todo esto sale del mismo sitio:

1. Sufjan Stevens – Chicago
2. Yeah Yeah Yeahs – Heads Will Roll
3. LCD Soundsystem – All My Friends
4. TV On The Radio – Golden Age
5. Hercules And Love Affair – Blind
6. Vampire Weekend – Cape Cod Kwassa Kwassa
7. Animal Collective – My Girls
8. The Pains Of Being Pure At Heart – Young Adult Friction
9. Grizzly Bear – Knife
10. The National – Mistaken For Strangers
11. Dirty Projectors – Stillness Is The Move
12. MGMT – Kids
13. Vivian Girls – Where Do You Run To
14. A Place to Bury Strangers – To Fix The Gash In Your Head
15. St. Vincent – Actor Out Of Work
16. Yeasayer – 2080
17. The Drums – Let’s Go Surfing
18. Gang Gang Dance – House Jam
19. Au Revoir Simone – Another Likely Story
20. Crystal Stilts – Crippled Croon
21. Telepathe – Chromes On It
22. Chairlift – Bruises
23. Matt & Kim – Daylight
24. Neon Indian – Deadbeat Summer
25. The Hold Steady – Stay Positive
26. The Fiery Furnaces – Tropical Iceland
27. Woods – Rain On
28. Interpol – Slow Hands
29. Ratatat – Wild Cat
30. Panda Bear – Bro’s
31. Oxford Collapse – Genetic Engineering
32. The Antlers – Kettering
33. White Rabbits – Kid On My Shoulders
34. Apache Beat – Your Powers Are Magic
35. Bishop Allen – Click, Click, Click
36. Oakley Hall – Confidence Man
37. Battles – Atlas
38. Liars – Houseclouds
39. Bear In Heaven – Lovesick Teenagers
40. Jay-Z + Alicia Keys – Empire State Of Mind

Impaciencia ante el nuevo disco de The National

Publicado: marzo 12, 2010 de miss_antartida en Música, Publicaciones
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The National portada de High Violet (2010)
Parece que lo que veis arriba es la portada del nuevo disco de The National, según lo que se deduce en la web que han habilitado para ir mostrando imágenes de su grabación y algún que otro vídeo. También sabemos desde hace unos días que el nuevo álbum se llamará High Violet, y que se publicará el 11 de mayo.

Pero no ha sido ninguno de estos anuncios el que nos ha puesto más impacientes. Ha sido, como siempre, escuchar una de sus canciones y darte cuenta de que no hay nadie que transmita emociones como ellos, son los reyes de la instrumentación y del ritmo crecientes, de la oscuridad esperanzadora y de la elegancia. Lo hemos vuelto a comprobar con lo primero que escuchamos de este nuevo disco, Terrible Love, que presentaron en directo en el late night show de Jimmy Fallon, y que nos ha dejado con la boca abierta y con muchas, muchas ganas de más:

Y mientras tanto no está de más escuchar sus discos anteriores, que incluso mejoran con el tiempo, como los buenos vinos: Boxer y Alligator están en Spotify, y también se pueden visitar en su MySpace o en su web oficial.

Si, ya sabemos que ha aparecido en todos los blogs, medios y prensa, que tiene 3 millones de visitas en apenas una semana y que por un lado u otro, hasta el Tato ha visto el nuevo vídeo de OK Go. Pero no por ello podíamos dejar de hacernos eco, porque el vídeo es sencillamente genial. Se trata del segundo vídeo que sacan para This too shall pass, después de un primer intento fallido de vídeo espectacular aunque no por ello soso ni feo, ya que a muchos les gustaría saber unir de esa forma una orquesta, unas cartulinas con letras y un bosque.

Se trata de un efecto mariposa espectacular y que tal y como nos cuentan en Alt1040:

[...]Está hecho en una sola toma con una Steadycam y lo que son casi 4 minutos de vídeo llevó casi mes y medio de trabajo, un equipo de 60 personas, entre ellos varios ingenieros, físicos (sí, físicos) y especialistas calculando que todo el invento se sincronizase de manera perfecta con la canción. Por ejemplo, los raíles por el que ruedan unas bolas al principio tuvieron que ser lijados y encerados varias veces hasta que se consiguió el tiempo exacto, la plataforma de madera está inclinada el número de grados preciso para que no rueden demasiado deprisa ni demasiado despacio, una pasada.

El intento definitivo llegó tras unas 60 tomas y dos días de rodaje y se tuvo que contratar a 30 personas encargadas sólo de resetear toda la máquina cuando la cosa salía mal, lo que llegaba a llevar casi una hora [...]

Ahora, que vayan los de El Hormiguero y se atrevan a imitarlo igual que hicieron con Here it goes again.

Del 24 al 27 de febrero tuvo lugar en Málaga la V edición del ciclo Poesía del Rock del Instituto Municipal del Libro. El tema de este año se centró en la seminal banda The Velvet Underground aprovechando el 40 aniversario de su desaparición.

Ante todo agradecer la calidad de todos los conferenciantes en la materia. Silvia Grijalba, directora del ciclo, es novelista, periodista, poeta, ensayista y directora del festival de spoken word Palabra y Música. Festival al que han acudido poetas rockeros o rockeros poetas de la talla de Lee Ranaldo, Lydia Lunch, John Giorno, Nacho Vegas, Julio de la Rosa o Nick Hornby, entre otros. Cada uno de los días se abrieron con ponencias de expertos de la Velvet centrados en un aspecto diferente del grupo que en palabras de la propia Silvia Grijalba “impuso la madurez dentro del rock’n’roll, género musical al que hasta la irrupción de la banda de Nueva York se podría considerar como un divertimento juvenil”

24 de febrero: The Velvet Underground: su universo oscuro.
No se podía empezar de una mejor forma para hablar sobre la Velvet Underground sino invitando a su biógrafo oficial, Victor Bockris. El cual publicó en 1983 y en colaboración con Gerard Malanga “Up-tight. La historia de la Velvet Underground” y que desde hace unos meses se puede encontrar la edición más actualizada en español a través de la editorial Discos Crudos. Malanga sirvió de puente para contactar con todos los miembros del grupo a los que Bockris entrevistó. El libro está estructurado a partir de aquellos encuentros como una memoria oral del día a día de la Velvet a finales de los años sesenta.

Bockris, biógrafo además de personajes como Andy Warhol con el que trabajó dentro de la Factory, Keith Richards, William S. Burroughs, Patti Smith o Muhammad Ali, centró su conferencia en el famoso “disco del plátano”. En ella defendió la figura de Warhol y calificó a la Velvet Underground como una obra más del excéntrico artista y no tanto como un grupo de música autónomo. Todo aquel que entienda un mínimo de música conoce la gran responsabilidad del productor, pero Bockris va más allá. El nombre por el que se conoce oficialmente el primer álbum de la banda lanzado en 1967 y grabado el año anterior es “The Velvet Underground & Nico”. Pues bien, Bockris defendió que el álbum realmente se llama “The Velvet Underground & Nico produced by Andy Warhol” entendiendo éste como una obra de Warhol. Algunos críticos dicen que es imposible decir que es un disco de Warhol pues sus conocimientos de música eran muy limitados. Sin embargo, el biógrafo de la banda mantiene que durante la grabación del disco y aunque Warhol no diera órdenes técnicas su presencia fue decisiva. Sin contar con el acertado empeño de incluir a la cantante germana Nico en el grupo y de ejercer de “controlador” de Lou Reed en el trabajo de las letras de éste.

Según Bockris, y apoyado por muchos, la Velvet muere después de su segundo disco “White Light / White Heat” de 1968 tras la salida de John Cale, expulsado por Reed. A partir de ahí el grupo comienza una especie de ensayo de lo que sería la posterior carrera en solitario de Lou Reed.

En la posterior mesa redonda intervinieron además del propio Victor Bockris; Peio Hernández, director jefe de la sección de cultura del diario Público; Magda Bonet, periodista y que fue amiga personal de Nico; y la escritora Blanca Riestra. Magda Bonet aportó comentarios de la propia Nico sacados de unas conversaciones que tuvo con ella en París cuando Nico estaba ya muy afectada por su adicción a la heroína. En estas citas habla bien de todos los miembros del grupo y de los roles de cada uno dentro de la banda, por ejemplo del grandísimo talento de Cale o el elemento estabilizador que suponía Moe Tucker. Sin embargo, habla muy mal de Lou Reed y de su enorme ego, algo que corroboraron los que entre los presentes habían tenido oportunidad de entrevistarlo o conocerlo. Blanca Riestra habló de cómo la Velvet era una de las grandes referencias en la época de la Movida en Galicia. Sacó el tema del personaje tan enigmático de la baterista dentro del grupo. Ciertamente, si ya es raro de por sí tener una mujer tocando la batería, imagínense en aquella época. Además Maureen Ann Tucker era católica y vestía de una forma tan andrógina que no se sabía si era un chico o una chica. Sin embargo, los presentes coincidieron que sin Tucker la Velvet no sería la misma. Blanca Riestra dijo, y con razón “Si al disco del plátano le quitamos la percusión, el disco es una mierda”. La otra gran pregunta que lanzó al aire y que nadie supo contestar es ¿por qué llamamos al grupo “la Velvet” en femenino y no “el Velvet” en masculino? Ninguno supo responder durante los tres días de conferencias. Supongo que Spain is different.

25 de febrero: The Velvet Underground como elemento de vanguardia. El escritor granadino Justo Navarro abrió la segunda jornada con una conferencia sobre el descubrimiento de un chaval de provincias, él mismo, de la Velvet Underground y del paralelismo cultural entre una capital de provincias de la España negra y el Nueva York de la segunda mitad de los años sesenta. El autor del premiado “Un aviador prevé su muerte” con un serio humor y sin alzar la voz hizo reír a toda la sala en sus comparaciones de la programación cinematográfica de aquellos tiempos en la capital granadina y el nuevo y desgarrador mundo que se estaba abriendo a principios del año 1966 en Nueva York con el espectáculo Exploding Plastic Inevitable. Pero, como bien señaló el conferenciante, no hay que cegarse por la aparente modernidad de Nueva York ya que como dijo Lorca “la aurora de Nueva York tiene cuatro columnas de cieno” y es que la Velvet era una pequeña isla dentro de la capital del mundo capitalista. Ni en su propia ciudad el grupo era apreciado y eso sumado a que ellos se automarginaban como forma de protesta ya que ni las radios locales los emitían, sólo tocaban en universidades o pequeños reductos de la megalópolis.

En la posterior mesa redonda, a la que se sumó Justo Navarro, se contó con la presencia del director del Instituto Municipal del Libro Alfredo Taján y el escritor Fernando Marías. Taján, gran mitómano y muy activo durante todas las jornadas ilustrando con diversos comentarios su gran conocimiento sobre la Velvet, habló sobre la figura de Nico. Sobre la importancia de la cantante germana en el grupo se discutió largamente.

26 de febrero: The Velvet Underground: su dilatada influencia. La tercera y última jornada de conferencias se cerró con la ponencia de la visión europea de la Velvet. Intervino el director de la revista Ruta 66 y autor del libro “Feed-back: la leyenda de la Velvet Underground”, Ignacio Juliá. Si para hablar del grupo no podía faltar a la cita su biógrafo oficial, tampoco lo debía hacer uno de los periodistas musicales españoles más importantes. Y es que Juliá hizo un exhaustivo y concienzudo análisis del grupo. Desde las razones político sociales de su aparición hasta su tremendo legado, pasando por los egos y roles de cada uno de los componentes de la banda además de las influencias literarias de Lou Reed. El libro de Juliá sobre la Velvet parte de un acercamiento al miembro más accesible de la banda y a la vez el más desconocido, el guitarrista Sterling Morrison que una vez terminado el grupo dejó la música para convertirse en profesor de literatura, dando una quizás más oculta versión de lo que sucedió entre aquellos tipos tan oscuros que a pesar de ello y en palabras de Morrison “se lo pasaban muy bien”. Este comentario unido al que hizo el primer día Victor Bockris sobre que los miembros de la Velvet no se tomaban tan en serio como aquí (en la conferencia) se está hablando de ellos, parecen bajarle un peldaño del pedestal al que siempre vemos todo lo que viene de fuera. Juliá terminó su intervención con un comentario, para mí, un tanto estúpido después de su meticuloso y acertado análisis. En 2008 Lou Reed dio un concierto en el Teatro Cervantes de Málaga y se hospedó en el hotel AC de la ciudad, el mismo lugar en el que se estaban dando lugar las conferencias del ciclo. Pues bien, Ignacio Juliá “santificó” el lugar diciendo que debido al paso de Reed por allí “estábamos en territorio de la Velvet”. Sinceramente, espero que fuera una broma que yo no entendí.

Finalmente se aprovecharon las jornadas para presentar el libro “Málaga y la Nueva Ola” de José Luis Cabrera y Lutz Petry. Libro de memoria oral al estilo del fundamental “Por favor, mátame” de Legs McNeil y Gilliam McCain sobre la historia del punk o como el citado “Up-tight”. La sala se llenó de amigos y aludidos en las fotos que ilustraban el libro. Los autores allí presentes se disculparon por no citar a los que no están en el libro pero que sí estuvieron en los bares, discotecas y calles de Málaga y Torremolinos. Sin embargo, como dijo José Luis Cabrera, la Nueva Ola en Málaga era muy minoritaria y que ahora es una moda apuntarse a ella cuando en los ochenta eran muy pocos los “locos” que se veían por ahí. A la más de una decena de libros sobre la Movida se une este, muy necesario, por hablar desde un punto descentralizado de lo que pasaba en Madrid con el “favorable” campo abonado por Tierno Galván y Radio 3. Javier Ojeda, el líder de Danza Invisible y que prepara disco sobre el pop en Málaga, se unió a la presentación del libro. Reivindicó Málaga y su escena en todas sus épocas y dio su personal visión de la Movida. Sin embargo, el exceso de patriotismo le hizo caer en le absurdo. En su intervención señaló que con el tiempo empezó a apreciar a ciertos grupos de la Movida madrileña que en un principio no le gustaba. Y de Madrid pasó directamente a Málaga, sin hacer mención de Andalucía a pesar de que tan próximo estaba el día de nuestra Comunidad. Dijo que en Málaga somos muy individualistas, razón no le falta, y que “en Granada, por ejemplo, valoran y defienden más lo que tienen a nivel musical cuando en realidad no hay tantos grupos” y en tono de menosprecio “Los Planetas esos y alguno más ¿no?”. Mire, señor Ojeda, soy de Málaga pero sobretodo me siento andaluz. Varias son las revistas a nivel nacional que alaban lo que sucede en Granada y ninguna se explica por qué salen tantos grupos de alto nivel de aquellas tierras. Muchos son los que lo achacan a las tapas en tono jocoso. Yo tampoco sabría decir con seriedad lo que allí tienen pues si los del norte dicen que será el sol yo les digo que cuando voy a Granada paso un frío de cojones. Espero que cuando publique su libro sobre el pop malagueño pueda corregirme. Pero hasta entonces, nos gusten más o menos y sin hacer mucho esfuerzo: Lagartija Nick, Los Planetas, Niños Mutantes, Hora Zulu, Eskorzo, Lori Meyers

27 de febrero: El ciclo Poesía del Rock de este año se cerró con un concierto de Perla Batalla en el Teatro Echegaray. La ex corista de Leonard Cohen preparó dos versiones de la Velvet para la ocasión. Sinceramente, no fui al concierto.

Si el mejor disco de la historia del rock’n’roll es obra de un artista eminentemente plástico, ¿eso deja en mal lugar a la música popular de origen norteamericano? Es decir, ¿tuvo que intervenir un tipo de fuera para elevar el rock a la denominación de arte? Les dejo aquí mis dudas para aligerar los comentarios.

Cómanse un plátano, entiéndanlo como quieran, la libertad ha llegado.

Este mes viene bien cargadito de propuestas musicales interesantes, así que merece bien la pena salir de casa a pesar de estas lluvias perennes que asolan últimamente nuestra Costa del Sol… Pero a lo que vamos:

- 5 de marzo: La Bien Querida (CCP Ollerías). Esta cantautora viene a presentar Romancero, uno de los discos más esperados y que más dieron que hablar el año pasado. 20:30 h, 6€/4€ si eres de Culturama.
- 5 y 6 de marzo: The Tiger Lillies (Teatro Echegaray): esta excéntrica banda avant garde traerán por dos días consecutivos su cabaret alternativo y oscuro. Será el viernes a las 21 h, y el sábado a las 20 h. Entradas 7-18€.
- 13 marzo Miguel Trillo en La Música Contada (Sala Gades). Cronista gráfico de la movida madrileña y de la evolución de la estética y moda en los jóvenes, Miguel Trillo presentará un discofórum en el que relacionará moda, estética y música. A las 20 h, entrada libre.
- 25 marzo: The New Raemon + Tiny Vipers (CCP Ollerías). Aún sin estar muy seguros de si vendrá con Tiny Vipers, lo que sí está claro es que The New Raemon nos presentará sus peculiares canciones a partir de las 20:30, entrada 6€/4€ con la tarjeta Culturama.
25 marzo: Niño Fixo en Básico Club. Este dj tan moderno estará pinchando dentro de la iniciativa Básico Club, sesiones el último jueves de cada mes en el céntrico local Toulouse. A partir de las 22:30, entrada 6€ con consumición.
26 marzo: Love of lesbian + Dorian (Sala Vivero). Y la propuesta más interesante del mes viene de la mano del Heineken Music Selector, a partir de las 22 h por 12€ la entrada anticipada, o 18€ en taquilla.

Y para más información o encontrar más actividades de interés, unos cuantos enlaces recomendados:

- Programación de Fnac Málaga Plaza (¡vienen Los Chichos!) y Fnac Marbella.
- Programación Teatro Cánovas/Sala Gades
- Toda la programación de La Música Contada
- Conciertos en Sala Vivero
- Conciertos en Sala Eventual Music
- Conciertos Velvet Club.
- Programación La Casa Invisible (atención a sus actividades, que están de 3er aniversario!)
- Actividades en Espaciu – Centro de Iniciativas Universitarias.