Archivos de la categoría ‘Literatura’

Terminamos el repaso que comenzamos ayer a una de las joyas escondidas del cartel del Festival SOS 4.8 descubriendo lo que nos encontraremos el segundo día en el Auditorio con los Poetas entre extremidades.

1 mayo, 18:30. Auditorio / Sala Pequeña

–       Eduard Escoffet & Bradien

–       Javier Corcobado & Susana Cáncer

–       Accidents Polipoetics

De Eduard Escoffet nos llama la atención que la primera frase de la biografía de su sitio web es “poeta y agitador cultural” y la última, después de un punto y aparte, es “no hace libros”. Escribe, por supuesto, pero sobre todo se dedica a la poesía visual, la instalación y la performance. Es consecuente con lo que escribe en sus artículos, esto decía en uno publicado en el suplemento Cultural de La Vanguardia en 2007: “Ahora se habla mucho de spoken word, en España. También de polipoesía (…) Todos estos nombres sumados a otros como poesía sonora, poesía fonética, dub poetry, text/sound y la poesía sonora concreta por poner algunos ejemplos, tienen total vigencia y no son movimientos, sino que conllevan una nueva concepción de la escritura. (…) Además, los sistemas de lectura y de representación de la cultura actual piden algo más que un libro”. El tipo sabe de lo que habla, pero en concierto lo dice en catalán, lástima. Bradien es el grupo de pop instrumental que lo acompañará. Tienes 3 referencias publicadas: Minoi Tiare de 2006, un vinilo compartido con el grupo escocés Dosimat de 2007, y su último disco Linden de 2009 para es sello de microelectrónica y paisajismo digital barcelonés spa.RK. Pueden vacilar de haber sido teloneros de Yo La Tengo o contar entre sus colaboradores con el poeta americano Jon Giorno.

Javier Corcobado nos traerá su espectáculo en formato acústico acompañado por Susana Cáncer al piano, recitando una selección de textos en las que incluirá los de su última publicación Cartas a una revista pornográfica viuda, también editada por Arrebato. A los organizadores del SOS les bastó una llamada para tener listo la mitad del plantel de Poetas entre extremidades. Ajo y Peru Saizprez también tienen sus últimas obras publicadas bajo esta editorial. Sinceramente, Javier Corcobado me parece que merece más respeto y atención que hasta ahora no le he dado pero es que sólo me convence su colaboración con Manta Ray en el disco que realizaron juntos Diminuto cielo de 1997.

El día anterior la risa estaba asegurada con las tres propuestas de este microespacio dentro del festival, pero hasta ahora y después de la resaca la cosa se ha puesto demasiado seria. Y es que Corcobado quiere morirse demasiadas veces. Pero no se preocupen, llegan Accidents Polipoetics.

Si a estas alturas, a tres días del evento, esperas una explicación de lo que es el SOS o bien eres mi madre o te has equivocado de blog. Si eres de los segundos no te vayas sin votarnos para el top 5 de los mejores blogs andaluces, ya que mi madre ya lo ha hecho.

Si por otra parte, a los que todavía leen, creéis que os voy a hablar del cartel musical del festival, se equivocan. Pero no se vayan sin votar. Qué más puedo añadir de las grandes estrellas que nos van a hacer bailar durante dos días. Conozcas o no a los músicos la línea del festival es muy bailonga salvo pocas excepciones. Si escribiera algo nuevo que no se haya dicho ya de Los Planetas y su nuevo disco o bien estaría mintiendo o sería la madre o el camello de Jota los que estarían escribiendo esto. De Franz Ferdinand, sinceramente, no me interesa mucho más allá de su capacidad para que después de 5 años hablándose de ellos si no meten caña se las meteré yo a ellos. Ya que a Russian Red no le pude ver las piernas el año pasado espero vérselas a Anni esta vez. ¿En el contrato de estas chicas hay alguna cláusula que diga que en todos sus actos públicos deben lucir palmito? “Mi éxito se debe a myspace” dixit. Más bien será a Flickr.

Que todos nos los pasemos muy bien. Amen. Pero les hablo de la sección Voces del festival y en especial del espacio Poetas entre extremidades, en el que artistas del spoken word nos harán soñar, reír o dormir. Al primer día voy, al segundo según se tercie la noche. Hoy presentación del primer día, mañana más. La programación es la siguiente:

30 abril, 19:00 h. Edificio Mustang Art / Sala 14

–       Peru Saizprez

–       Ajo & Javier Colis

–       Quico Cadaval

1 mayo, 18:30 h. Auditorio / Sala Pequeña

–       Eduardo Escofet & Bradien

–       Javier Corcobado & Susana Cáncer

–       Accidents Polipoetics

Peru Saizprez nacido en Lima pero madrileño de adopción, se denomina madrilimeño, peruano volador, obrero de la imaginaciónn y el poeta más desconocido del mundo. En sus presentaciones también parafrasea a lo que dijo el New York Times de Lola Flores en una de sus actuaciones en la tierra yanqui: “No canta, no baila… no se la pierda”. Cuenta en su haber con tres poemarios “Sexo satélite”, “Un corazón con pelos”, “Masturbación en la mesa sin cuenta” (este de un solo poema). A Peru le gusta decir que hace conciertos sin música ya que enfrenta sus lecturas con la actitud de un rockero, mirando al público e interactuando con él. Con perlas como las siguientes este tipo se merece ir a escucharlo. “Tu y yo lo hicimos bien pero no tan bien como para hacer una película de lo bien que lo hicimos”. Esta frase se encontró pegada en una señal de tráfico en Madrid en una de sus muchas intervenciones por la ciudad. Otra pequeña maravilla es el verso del final de su poema “Investible” en el que el autor expone y suplica como vestirse es una mala opción debido a las catástrofes personales y colectivas que se derivan de tan impúdico acto. “Si te vistes salimos perdiendo todos”. Por esto y por mucho más, no sabe cantar, no sabe bailar, no se lo pierdan.

Ajo & Javier Colis se vuelven a reunir después de su aventura de 4 discos bajo el nombre de Mil Dolores Pequeños, pero esta vez manteniendo sus respectivas individualidades. Su nuevo espectáculo se llama Por un puñado de dólares. Ajo tenía un proyecto de spoken word con Mastretta (sólo con Nacho) llamado “Striptease Cardiovascular” que giraron por toda España  y que la propia Ajo continuó presentando aun tras la marcha del hombre orquesta. Tiene publicados dos volúmenes de Micropoemas y ha sido codirectora del festival de música experimental Experimentaclub y del festival de poesía Yuxtaposiciones. Entre una de sus largas caladas tras otro silencio no menos amplio va y suelta: “¿Y si corazón sólo fuera el aumentativo de coraza?”

No me digan que esta no es genial:

Al amor le pido

más de lo que tiene.

Y a la vida más de lo que da.

Equivocada de par en par.

Siempre creí

que ne me quitte pas

quería decir

“déjame en paz”.

Échenle un ojo a las cortinillas que hizo La Sexta a partir de algunas de sus punzantes composiciones.

Y por último, Quico Cadaval, reconocido por crítica y amigos como uno de los mejores contadores de cuentos de España. Tiene pinta que esos amigos son sus críticos y viceversa. A mi con que un tipo se me acerque y se jacte de que es cuentacuentos de profesión ya me ha convencido. Dice que lo hace desde varios siglos antes de nacer. ¡Tendrá poca vergüenza! ¡Que Dios nos asista!

La última carta de Miguel de Cervantes.

Publicado: abril 23, 2010 de albertomelgares en Literatura, Música
Etiquetas:,

Celebrando el día del Libro les aconsejamos una lectura cantada. Yo la descubrí teniendo ya forma de canción puesto que tuve noticia de este texto a través de la garganta del cantaor Enrique Morente en la última pista de su disco “Morente sueña La Alhambra” de 2005 llamada “La última carta”. Así titulada ya que fue escrita el 19 de abril de 1616, dos días antes de morir, por Miguel de Cervantes. En realidad, el texto tenía como destino formar parte de la dedicatoria a Pedro Fernández de Castro y Andrade, VII Conde de Lemos y mecenas suyo, de la última novela de Cervantes “Los trabajos de Persiles y Sigismunda”. Y así fue cuando “la carta” formó parte de la edición de la novela un año después, en 1617.

Para hablar de la canción citaré a alguien más apropiado en la materia, el escritor especialista en flamenco Marcos Escánez Carrillo publicada en jondoweb.com. Dice: “La crudeza del tratamiento que aplica a la despedida última el más insigne novelista de la historia de la literatura universal es algo poco conocido que el Maestro pone al alcance de los aficionados a la buena música. Con fondo de coros, y percusión, para la cual también se apoya en su propia voz, va estimulando el rever para dar sensación de lejanía. Vuelve a las apoyaturas de la música gregoriana con un planteamiento estructural, que no musical, parecido al del tema que abre el disco. Morente quiere acercarnos a esa intimidad terrible de asumir la muerte desde las ganas incondicionales e insaciables de vivir que despiertan en todo el que se sabe cerca de la muerte. Con la elección de este texto para cerrar un disco que se quiere acercar al movimiento surrealista desde la reflexión, se abre una nueva y doble sensibilidad en la discografía de Enrique Morente. Por un lado intenta abarcar la esencia de la vida desde el sueño y por otro intenta proyectar esta misma esencia desde la muerte”

A muchos les sonará la parte de la carta en la que dice “con todo esto, llevo la vida sobre el deseo que tengo de vivir” y es que fue el trozo que Morente incluyó en aquel encuentro mágico que se vivió en el Heineken Greenspace de Valencia en la noche del 28 de octubre de 2005 cuando sobre el escenario coincidieron el cantaor granadino y Sonic Youth. Momento histórico de la nuestra y de la suya, de la música contemporánea en definitiva.

Aquí les dejo la dedicatoria de la novela de Cervantes y a la vez la letra de la canción de Morente casi cuatro siglos después.

A don Pedro Fernández de Castro,

conde de Lemos, de Andrade, de Villalba; marqués de Sarriá, gentilhombre de la Cámara de su Majestad, presidente del Consejo Supremo de Italia, comendador de la Encomienda de la Zarza, de la Orden de Alcántara

Aquellas coplas antiguas, que fueron en su tiempo celebradas, que comienzan:

Puesto ya el pie en el estribo,

quisiera yo no vinieran tan a pelo en esta mi epístola, porque casi con las mismas palabras la puedo comenzar, diciendo:

Puesto ya el pie en el estribo,

con las ansias de la muerte,

gran señor, ésta te escribo.

Ayer me dieron la Estremaunción y hoy escribo ésta. El tiempo es breve, las ansias crecen, las esperanzas menguan, y, con todo esto, llevo la vida sobre el deseo que tengo de vivir, y quisiera yo ponerle coto hasta besar los pies a Vuesa Excelencia; que podría ser fuese tanto el contento de ver a Vuesa Excelencia bueno en España, que me volviese a dar la vida. Pero si está decretado que la haya de perder, cúmplase la voluntad de los cielos, y por lo menos sepa Vuesa Excelencia este mi deseo, y sepa que tuvo en mí un tan aficionado criado de servirle que quiso pasar aun más allá de la muerte, mostrando su intención. Con todo esto, como en profecía me alegro de la llegada de Vuesa Excelencia, regocíjome de verle señalar con el dedo, y realégrome de que salieron verdaderas mis esperanzas,  dilatadas en la fama de las bondades de Vuesa Excelencia. Todavía me quedan en el alma ciertas reliquias y asomos de Las semanas del jardín, y del famoso Bernardo. Si a dicha, por buena ventura mía, que ya no sería ventura, sino milagro, me diese el cielo vida, las verá, y con ellas fin de La Galatea, de quien sé está aficionado Vuesa Excelencia. Y, con estas obras, continuando mi deseo, guarde Dios a Vuesa Excelencia como puede. De Madrid, a diez y nueve de abril de mil y seiscientos y diez y seis años.

Criado de Vuesa Excelencia,

Miguel de Cervantes.

Miguel Hernández en la música popular

Publicado: abril 6, 2010 de albertomelgares en Literatura, Música
Etiquetas:

Con motivo del centenario del nacimiento del poeta de Orihuela (Alicante) 1910-1941, el periodista musical Fernando González Lucini, a través de Ediciones Autor ha publicado el monográfico “Miguel Hernández. ¡Dejadme la esperanza!” Primera obra con la que dicha editorial comienza su colección Canción y Literatura en la que abordará las relaciones entre ambas disciplinas.

La labor de González Lucini, gran conocedor sobre todo de la canción de autor española, en la parte más importante del libro se limita a una recopilación escasamente comentada de los artistas que han cantado o han puesto música a la obra de Miguel Hernández. Se echa de menos una mayor reflexión de las relaciones intertextuales entre literatura y música. Quizás se echa en falta una segunda mano encargada de la parte literaria. No obstante, se agradecen los detalles y curiosidades que aporta el autor sobre las obras musicales de las que habla. Comentarios que sólo podía ofrecer alguien que estuvo y está tan cerca de los creadores musicales como lo es Fernando González Lucini. Además, resulta muy interesante y explicativo el capítulo contextualizador de cómo surge la relación entre la obra de Miguel Hernández y los músicos que se han ido enamorando de su obra. Cómo la poesía social necesitaba salir a la calle buscando nuevos medios para ello, a lo que contribuyó la voz y guitarra de los nuevos trovadores.

De la exhaustiva relación cronológica de artistas que beben de la obra hernandiana manifiesta en el libro, aquí la resumiremos en tres grandes apartados:

Uno, el exilio de la música española. La dictadura franquista cumplió con su tarea de silenciar a Miguel Hernández y al resto de artistas del bando de los vencidos ya que no fue hasta finales de los años sesenta cuando se empiezan a registrar canciones basadas en sus poemas. Desde París surgieron esas primeras grabaciones. La primera data de 1967 a cargo de Paco Ibáñez en un disco en el que se atrevió a cantar y musicalizar el poema “Andaluces de Jaén” junto a otros poetas perseguidos como Rafael Alberti, Gabriel Celaya o Blas de Otero. Otra de las artistas exiliadas que pusieron voz a textos de Miguel Hernández fue Elisa Serna que en 1969 publicó un single en España con los poemas hernandianos “El niño yuntero” y “No quiso ser” pero que fue exiliada y en el año 1972 cuando publicó su primer disco. Destacar también a Pedro Ávila, Francisco Curto y Amancio Prada como voces en el exilo

Dos, Latinoamerica, la identificación de la barbarie. Cuando nuestra dictadura tocaba a su fin en Latinoamerica se encendían otras. Quizás por eso nuestro poeta fue tan bien entendido entre los cantautores que se rebelaban contra los incipientes desastres de sus países. 1973 sumió en la locura militar a Chile y Uruguay siendo Victor Jara y Numa Moraes, ambos de aquellos países respectivamente, los primeros en entonar al poeta del pueblo. Siendo Uruguay el que más rinde homenaje a Miguel Hernández también les acompañan Cuba, Puerto Rico, Venezuela, Argentina, Brasil, México y Bolivia.

Tres, poesía española cantada en España: de los cantautores al punk rock. Siendo la pionera la mencionada Elisa Serna, han sido y siguen siéndo muchos los músicos que le cantan al poeta de Orihuela. Destacar el disco de 1971 “Homenaje flamenco a Miguel Hernández” de Enrique Morente, justo un año antes del grandioso “Miguel Hernández” de Joan Manuel Serrat, disco de amplia repercusión tanto musical como política. También dentro de los actos del centenario ha salido a la luz otro disco de Serrat sobre la obra de Miguel “Hijos de la luz y de la sombra”. Los Lobos o Jarcha fueron conjuntos de los 70 con aportaciones bellísimas a las relaciones entre literatura y música con la obra de Miguel Hernández como protagonista para una sociedad que empezaba a ver la luz. Señalar que la década en lo que lo musical se refiere se cierra con el disco “… Y regresarte (a Miguel Hernández)” del guitarrista flamenco Manolo Sanlúcar. En el primer disco de Pata Negra “Rock Gitano” de 1982 se incluye la canción “Compañero del alma” con letras de varios poemas de Miguel. Este hecho vuelve a evidenciar la capital importancia que tuvo el productor Ricardo Pachón en el nuevo flamenco. Incluso Camarón y el dúo Lole y Manuel se atrevieron con el poeta. Para terminar, y aunque parezca sorprendente, grupos de rock como Extremoduro también hicieron su pequeño homenaje al poeta que nos ocupa. Aunque para los conocedores de los obra de Robe Iniesta y sus secuaces no es para nada desconcertante ya que Robe suele intercalar en sus letras a poetas como Antonio Machado, Pablo Neruda o Federico García Lorca. El grupo de punk rock sevillano Reincidentes también musicaron el poema “El hambre” en su disco del 2000 “¿Y ahora qué?”

Al igual que se aconseja leer el libro antes que ver la película, ya que de otro modo pondrás la cara del protagonista del film a lo que vayas leyendo cercenando la capacidad de imaginación de las letras. Recomendamos leer antes la obra de Miguel Hernández. No entramos aquí en la eterna discusión si es mejor el libro o la película o en este caso que la canción. Son distintos sin más. El caso es que cuando escuchas primero una canción basada en un poema, cada vez que leas el poema lo harás con la cadencia que le dio el músico. Su declamación a solas o ante público te vendrá impuesta. Para mí “El hambre” siempre será la canción punk de Reincidentes “Poema social de guerra y muerte” o la “Elegía a Ramón Sijé” sonará con la voz del “Compañero” de Enrique Morente.

Del 24 al 27 de febrero tuvo lugar en Málaga la V edición del ciclo Poesía del Rock del Instituto Municipal del Libro. El tema de este año se centró en la seminal banda The Velvet Underground aprovechando el 40 aniversario de su desaparición.

Ante todo agradecer la calidad de todos los conferenciantes en la materia. Silvia Grijalba, directora del ciclo, es novelista, periodista, poeta, ensayista y directora del festival de spoken word Palabra y Música. Festival al que han acudido poetas rockeros o rockeros poetas de la talla de Lee Ranaldo, Lydia Lunch, John Giorno, Nacho Vegas, Julio de la Rosa o Nick Hornby, entre otros. Cada uno de los días se abrieron con ponencias de expertos de la Velvet centrados en un aspecto diferente del grupo que en palabras de la propia Silvia Grijalba “impuso la madurez dentro del rock’n’roll, género musical al que hasta la irrupción de la banda de Nueva York se podría considerar como un divertimento juvenil”

24 de febrero: The Velvet Underground: su universo oscuro.
No se podía empezar de una mejor forma para hablar sobre la Velvet Underground sino invitando a su biógrafo oficial, Victor Bockris. El cual publicó en 1983 y en colaboración con Gerard Malanga “Up-tight. La historia de la Velvet Underground” y que desde hace unos meses se puede encontrar la edición más actualizada en español a través de la editorial Discos Crudos. Malanga sirvió de puente para contactar con todos los miembros del grupo a los que Bockris entrevistó. El libro está estructurado a partir de aquellos encuentros como una memoria oral del día a día de la Velvet a finales de los años sesenta.

Bockris, biógrafo además de personajes como Andy Warhol con el que trabajó dentro de la Factory, Keith Richards, William S. Burroughs, Patti Smith o Muhammad Ali, centró su conferencia en el famoso “disco del plátano”. En ella defendió la figura de Warhol y calificó a la Velvet Underground como una obra más del excéntrico artista y no tanto como un grupo de música autónomo. Todo aquel que entienda un mínimo de música conoce la gran responsabilidad del productor, pero Bockris va más allá. El nombre por el que se conoce oficialmente el primer álbum de la banda lanzado en 1967 y grabado el año anterior es “The Velvet Underground & Nico”. Pues bien, Bockris defendió que el álbum realmente se llama “The Velvet Underground & Nico produced by Andy Warhol” entendiendo éste como una obra de Warhol. Algunos críticos dicen que es imposible decir que es un disco de Warhol pues sus conocimientos de música eran muy limitados. Sin embargo, el biógrafo de la banda mantiene que durante la grabación del disco y aunque Warhol no diera órdenes técnicas su presencia fue decisiva. Sin contar con el acertado empeño de incluir a la cantante germana Nico en el grupo y de ejercer de “controlador” de Lou Reed en el trabajo de las letras de éste.

Según Bockris, y apoyado por muchos, la Velvet muere después de su segundo disco “White Light / White Heat” de 1968 tras la salida de John Cale, expulsado por Reed. A partir de ahí el grupo comienza una especie de ensayo de lo que sería la posterior carrera en solitario de Lou Reed.

En la posterior mesa redonda intervinieron además del propio Victor Bockris; Peio Hernández, director jefe de la sección de cultura del diario Público; Magda Bonet, periodista y que fue amiga personal de Nico; y la escritora Blanca Riestra. Magda Bonet aportó comentarios de la propia Nico sacados de unas conversaciones que tuvo con ella en París cuando Nico estaba ya muy afectada por su adicción a la heroína. En estas citas habla bien de todos los miembros del grupo y de los roles de cada uno dentro de la banda, por ejemplo del grandísimo talento de Cale o el elemento estabilizador que suponía Moe Tucker. Sin embargo, habla muy mal de Lou Reed y de su enorme ego, algo que corroboraron los que entre los presentes habían tenido oportunidad de entrevistarlo o conocerlo. Blanca Riestra habló de cómo la Velvet era una de las grandes referencias en la época de la Movida en Galicia. Sacó el tema del personaje tan enigmático de la baterista dentro del grupo. Ciertamente, si ya es raro de por sí tener una mujer tocando la batería, imagínense en aquella época. Además Maureen Ann Tucker era católica y vestía de una forma tan andrógina que no se sabía si era un chico o una chica. Sin embargo, los presentes coincidieron que sin Tucker la Velvet no sería la misma. Blanca Riestra dijo, y con razón “Si al disco del plátano le quitamos la percusión, el disco es una mierda”. La otra gran pregunta que lanzó al aire y que nadie supo contestar es ¿por qué llamamos al grupo “la Velvet” en femenino y no “el Velvet” en masculino? Ninguno supo responder durante los tres días de conferencias. Supongo que Spain is different.

25 de febrero: The Velvet Underground como elemento de vanguardia. El escritor granadino Justo Navarro abrió la segunda jornada con una conferencia sobre el descubrimiento de un chaval de provincias, él mismo, de la Velvet Underground y del paralelismo cultural entre una capital de provincias de la España negra y el Nueva York de la segunda mitad de los años sesenta. El autor del premiado “Un aviador prevé su muerte” con un serio humor y sin alzar la voz hizo reír a toda la sala en sus comparaciones de la programación cinematográfica de aquellos tiempos en la capital granadina y el nuevo y desgarrador mundo que se estaba abriendo a principios del año 1966 en Nueva York con el espectáculo Exploding Plastic Inevitable. Pero, como bien señaló el conferenciante, no hay que cegarse por la aparente modernidad de Nueva York ya que como dijo Lorca “la aurora de Nueva York tiene cuatro columnas de cieno” y es que la Velvet era una pequeña isla dentro de la capital del mundo capitalista. Ni en su propia ciudad el grupo era apreciado y eso sumado a que ellos se automarginaban como forma de protesta ya que ni las radios locales los emitían, sólo tocaban en universidades o pequeños reductos de la megalópolis.

En la posterior mesa redonda, a la que se sumó Justo Navarro, se contó con la presencia del director del Instituto Municipal del Libro Alfredo Taján y el escritor Fernando Marías. Taján, gran mitómano y muy activo durante todas las jornadas ilustrando con diversos comentarios su gran conocimiento sobre la Velvet, habló sobre la figura de Nico. Sobre la importancia de la cantante germana en el grupo se discutió largamente.

26 de febrero: The Velvet Underground: su dilatada influencia. La tercera y última jornada de conferencias se cerró con la ponencia de la visión europea de la Velvet. Intervino el director de la revista Ruta 66 y autor del libro “Feed-back: la leyenda de la Velvet Underground”, Ignacio Juliá. Si para hablar del grupo no podía faltar a la cita su biógrafo oficial, tampoco lo debía hacer uno de los periodistas musicales españoles más importantes. Y es que Juliá hizo un exhaustivo y concienzudo análisis del grupo. Desde las razones político sociales de su aparición hasta su tremendo legado, pasando por los egos y roles de cada uno de los componentes de la banda además de las influencias literarias de Lou Reed. El libro de Juliá sobre la Velvet parte de un acercamiento al miembro más accesible de la banda y a la vez el más desconocido, el guitarrista Sterling Morrison que una vez terminado el grupo dejó la música para convertirse en profesor de literatura, dando una quizás más oculta versión de lo que sucedió entre aquellos tipos tan oscuros que a pesar de ello y en palabras de Morrison “se lo pasaban muy bien”. Este comentario unido al que hizo el primer día Victor Bockris sobre que los miembros de la Velvet no se tomaban tan en serio como aquí (en la conferencia) se está hablando de ellos, parecen bajarle un peldaño del pedestal al que siempre vemos todo lo que viene de fuera. Juliá terminó su intervención con un comentario, para mí, un tanto estúpido después de su meticuloso y acertado análisis. En 2008 Lou Reed dio un concierto en el Teatro Cervantes de Málaga y se hospedó en el hotel AC de la ciudad, el mismo lugar en el que se estaban dando lugar las conferencias del ciclo. Pues bien, Ignacio Juliá “santificó” el lugar diciendo que debido al paso de Reed por allí “estábamos en territorio de la Velvet”. Sinceramente, espero que fuera una broma que yo no entendí.

Finalmente se aprovecharon las jornadas para presentar el libro “Málaga y la Nueva Ola” de José Luis Cabrera y Lutz Petry. Libro de memoria oral al estilo del fundamental “Por favor, mátame” de Legs McNeil y Gilliam McCain sobre la historia del punk o como el citado “Up-tight”. La sala se llenó de amigos y aludidos en las fotos que ilustraban el libro. Los autores allí presentes se disculparon por no citar a los que no están en el libro pero que sí estuvieron en los bares, discotecas y calles de Málaga y Torremolinos. Sin embargo, como dijo José Luis Cabrera, la Nueva Ola en Málaga era muy minoritaria y que ahora es una moda apuntarse a ella cuando en los ochenta eran muy pocos los “locos” que se veían por ahí. A la más de una decena de libros sobre la Movida se une este, muy necesario, por hablar desde un punto descentralizado de lo que pasaba en Madrid con el “favorable” campo abonado por Tierno Galván y Radio 3. Javier Ojeda, el líder de Danza Invisible y que prepara disco sobre el pop en Málaga, se unió a la presentación del libro. Reivindicó Málaga y su escena en todas sus épocas y dio su personal visión de la Movida. Sin embargo, el exceso de patriotismo le hizo caer en le absurdo. En su intervención señaló que con el tiempo empezó a apreciar a ciertos grupos de la Movida madrileña que en un principio no le gustaba. Y de Madrid pasó directamente a Málaga, sin hacer mención de Andalucía a pesar de que tan próximo estaba el día de nuestra Comunidad. Dijo que en Málaga somos muy individualistas, razón no le falta, y que “en Granada, por ejemplo, valoran y defienden más lo que tienen a nivel musical cuando en realidad no hay tantos grupos” y en tono de menosprecio “Los Planetas esos y alguno más ¿no?”. Mire, señor Ojeda, soy de Málaga pero sobretodo me siento andaluz. Varias son las revistas a nivel nacional que alaban lo que sucede en Granada y ninguna se explica por qué salen tantos grupos de alto nivel de aquellas tierras. Muchos son los que lo achacan a las tapas en tono jocoso. Yo tampoco sabría decir con seriedad lo que allí tienen pues si los del norte dicen que será el sol yo les digo que cuando voy a Granada paso un frío de cojones. Espero que cuando publique su libro sobre el pop malagueño pueda corregirme. Pero hasta entonces, nos gusten más o menos y sin hacer mucho esfuerzo: Lagartija Nick, Los Planetas, Niños Mutantes, Hora Zulu, Eskorzo, Lori Meyers

27 de febrero: El ciclo Poesía del Rock de este año se cerró con un concierto de Perla Batalla en el Teatro Echegaray. La ex corista de Leonard Cohen preparó dos versiones de la Velvet para la ocasión. Sinceramente, no fui al concierto.

Si el mejor disco de la historia del rock’n’roll es obra de un artista eminentemente plástico, ¿eso deja en mal lugar a la música popular de origen norteamericano? Es decir, ¿tuvo que intervenir un tipo de fuera para elevar el rock a la denominación de arte? Les dejo aquí mis dudas para aligerar los comentarios.

Cómanse un plátano, entiéndanlo como quieran, la libertad ha llegado.